ARTISTE EN JEUX VIDÉOS : QUELQUES CONSEILS DE PRO !

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Art 2D, Concept Art, spécificités du jeu vidéo et conseils de pro pour améliorer son art : aujourd’hui on voit tout ça avec Andreia Silva, artiste concept chez Ludia !

Andreia et les arts : retour sur son parcours

La passion d’Andreia pour les arts a commencé très tôt ! Influencée par les tableaux de son grand frère, elle a ensuite eu son déclic dès l’âge de 6/7 ans après le passage d’un artiste dans son école au Brésil. Après l’avoir vu dessiner un Tarzan dans une pose hyper dynamique en 5 minutes à peine, elle s’est immédiatement dit : « J’ai hâte de pouvoir faire ça un jour moi aussi. » Elle a alors commencé son parcours, en dessinant par elle-même, puis en participant à des ateliers, et en entrant à l’université elle a commencé les beaux-arts, les écoles d’animation n’étant pas très répandues dans sa région. Ce passage aux beaux-arts a été quand même très bénéfique pour Andreia : « C’est important de connaître la théorie aussi, de comprendre l’intention dans l’art et expérimenter des supports et arts différents pour avoir plus de maturité en tant qu’artiste. »

Par le biais d’une école en ligne, elle a découvert un cursus d’un mois intensif au Canada : 18h de dessin par jour ! Est venu ensuite son désir d’approfondir ses connaissances pour sa spécialisation sur l’animation, et les jeux vidéo : comprendre le cadrage, le positionnement et les étapes de production.

Après des stages, des débuts en tant qu’artiste 2D, elle a évolué et a su bâtir une confiance solide avec ses équipes pour passer artiste concept et aujourd’hui gérer la partie concept des personnages sur l’un de nos jeux chez Ludia !

La clé de son parcours ? Elle a toujours cherché à s’enrichir de toujours plus de contenu, travailler sur ses faiblesses, apprendre tant par elle-même qu’auprès de professionnels.

Art 2D et Concept Art

Quand on parle d’art 2D, il est question d’un produit fini en soi. Le Concept Art est différent dans son approche. Il intervient au début, en amont de la création qui sera effectivement dans le jeu et va servir de guide pour les créations artistiques du projet. C’est comme un manuel d’instruction pour créer quelque chose qui n’existe pas encore. Il rend l’univers tangible et va créer un espace de vérité.

Ce qui est le fun avec le concept art en jeu vidéo mobile, c’est qu’il y a le principe de LiveOps donc le concept doit évoluer au fil du temps. Il va y avoir beaucoup d’itération, des nouveaux environnements à créer, des nouveaux personnages mais tout ça doit s’harmoniser et se fondre dans le même univers. C’est en ça que le concept va être primordial et que le rôle d’artiste concept est un rôle pilier.

Andreia voit un peu le concept art comme un Rubix cube au moment de la pré-production : « le Directeur Artistique et le Concepteur de jeu viennent avec un sac de problèmes et tu dois tout tourner pour que les combinaisons fonctionnent ensemble. C’est hyper excitant. »

Et la 3D dans tout ça ?

« Les volumes, c’est hyper important, et ce n’est pas toujours facile de les définir seulement avec des traits. Il faut jouer avec la lumière et les couleurs. C’est très important d’avoir cette vision de comment l’objet vit en 3D, de comprendre cette tridimensionnalité pour pouvoir avoir un visuel et un concept cohérent. Même si un artiste ne connaît pas les logiciels 3D c’est important d’avoir des bases pour parler le même langage que les autres membres de son équipe qui travaillent sur les autres étapes de création pour comprendre l’entièreté du processus de production et créer plus efficacement. ».

Apprendre les 2 côtés (2D et 3D) prend bien sûr plus de temps mais apporte une richesse à la création et une plus-value très intéressante à un artiste. Les concepts pourront être des guides plus détaillés encore, enrichis de cette composante.

Le quotidien des artistes en jeux vidéo

On a souvent cette vision d’un.e artiste seul.e en train de créer à sa table à dessin. Mais le quotidien d’un artiste concept en jeu vidéo est assez différent, et est en fait basé sur beaucoup d’échanges. En plus des échanges en pré-production avec les directeurs artistiques et concepteurs de jeu en chef, l’artiste concept va aussi échanger tous les jours avec les autres artistes du projet pour assurer la cohérence des éléments.

« En production on est pas du tout tout seul ! Il y a des parties de recherches bien sûr mais on a des meetings quotidiens entre artistes, c’est très collaboratif. On va tout montrer sur quoi on travaille, on va pouvoir échanger, s’assurer que tout s’harmonise bien, avoir des retours sur des éléments qu’on a peut-être manqués. On va aligner les différents personnages aussi pour vérifier qu’on garde bien la bonne constance et l’harmonie des styles.»

Pour ce qui est de la création d’un personnage, les artistes vont suivre plusieurs étapes :
– la phase de recherche
– les Intentions de volumes et proportion
– les couleurs de bases (sans gros traitement au début pour confirmer la validation)
– la phase de polish, où on va ajouter plus d’information, plus de finesse

A chacune de ces étapes, on discute et valide les points avec la Direction Artistique, et avec la licence dans notre cas chez Ludia, pour être sûr d’être sur la bonne voie. On crée les meilleures documentations et on valide les points définitivement pour ne pas revenir en arrière plus tard. 

Ensuite beaucoup de conversations vont avoir lieu avec les animateurs pour les expressions faciales et les demandes spécifiques. Les artistes 3D vont prendre le relai pour apporter leur magie avec les volumes, les textures etc, et les animateurs vont donner vie aux personnages !

Les conseils d’Andreia

–          Keep it simple / Garde ça simple

Le plus gros apprentissage de ces dernières années pour Andreia c’est Keep it simple (garde ça simple). Quand on rajoute trop de détails généralement c’est pour cacher des faiblesses. L’important c’est de bien travailler ses bases et d’avoir un concept simple solide. Reviens à l’essentiel, pense à ton cadrage, au gameplay pour un jeu vidéo, où va se poser l’œil. La première question à se poser avant de commencer à travailler les détails c’est : qu’est-ce qui est important dans mon design ? Travaille les bases, la lumière, les volumes, les proportions, le sens de ton design, enlève l’extra pour avoir quelque chose de plus précis et précieux.

–          Soit honnête avec toi-même et travaille sur tes faiblesses

Tu ne seras pas le meilleur dans tous les aspects de ton art au jour 1. Soit honnête avec toi-même, reconnais tes forces mais aussi tes faiblesses. Travaille tes faiblesses pour faire évoluer ton art. La visualisation 3D est compliquée pour toi ? Le placement de la lumière n’est pas encore optimal ? Fais tes recherches personnelles mais n’hésite pas à trouver des formations plus professionnelles et t’entourer d’experts.

–          Va chercher de l’inspirations ailleurs

En jeux vidéo ou en animation le risque c’est parfois de rester sur les mêmes inspirations et finir par copier plus que créer. N’hésite pas à aller chercher de l’inspiration ailleurs, dans différents types d’art, la peinture, la sculpture, le cinéma, le design de meuble aussi pourquoi pas ! L’important c’est de multiplier les sources d’inspirations pour s’ouvrir l’esprit.

–          Reste curieux et observateur

Comme le dit Andreia :

« Un dessinateur c’est tout d’abord quelqu’un qui va observer les choses. Apprendre ce n’est pas juste avec son crayon dans la main et le dos courbé. Tu peux apprendre chaque seconde en te promenant et en observant la lumière, comment elle réagit avec la neige, comment se place l’ombre, … Tu as besoin aussi de vivre et d’expérimenter les choses pour avoir des choses à dire à travers ton art. »

C’est important de garder et nourrir sa curiosité aussi. L’idée ce n’est pas de se forcer à dessiner à tout prix tout le temps et répéter les mêmes traits qui deviendront des gestes mécaniques mais explorer ce qui t’intrigue. Une composition dans un film que tu trouves génial ? Va chercher ce qui t’anime autant et pourquoi ça t’a fait cet effet. Une nouvelle fonctionnalité d’un logiciel que tu n’utilises pas forcément dans ton travail mais pique ta curiosité ? Va l’explorer !

–          Donne-toi le temps

L’important c’est de trouver un équilibre entre le travail et ta vie. C’est important de travailler son art d’y mettre des heures mais il faut savoir s’écouter. Il y a parfois une culture de « toujours plus jamais assez » et c’est parfois comme ça que tu perds confiance et le plaisir de dessiner.

Il faut mettre du temps sur ton métier bien sûr mais le faire de façon efficace. Pour être bon il faut te donner le temps, « comme on laisse le temps à un bel arbre de pousser et de devenir fort et solide. On ne peut pas demander à un pommier de faire tomber des fruits trop rapidement parce que ça ne va pas être bon, c’est un peu pareil pour ton art.»

Alors, prends le temps de respirer aussi, de développer ta personnalité pour l’insuffler dans ton art. L’inspiration vient en vivant ta vie ! 

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